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Programme de télévision aux heures de grande écoute de 1965 - Histoire

Programme de télévision aux heures de grande écoute de 1965 - Histoire


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Émissions de télévision des années 1970 : qu'est-ce que les gens ont regardé ?

La télévision dans les années 1970 a poussé ce qui était considéré comme acceptable à de nouvelles limites. La plupart des émissions qui sont sorties défiaient le sectarisme en s'en moquant.

Cependant, si vous n'étiez pas à l'époque, ils semblent parfois tout simplement offensants.

En raison de ce caractère offensant, la FCC a reçu un nombre record de plaintes de téléspectateurs. Ils ont fait pression sur le gouvernement pour qu'il fasse quelque chose. Non seulement ils ont interdit les publicités pour les cigarettes (ce qui est une bonne chose), mais cela a également imposé de nouvelles restrictions à la violence.

La télévision est entrée dans une nouvelle ère de franchise. Sa programmation audacieuse d'humour ethnique et de thèmes tabous « adultes » a finalement commencé à refléter la permissivité croissante de la société, même s'il ne s'agissait que d'un pâle reflet de l'esprit « tout se passe » des films.

La tendance a été lancée par "All in the Family", une série de comédies de situation qui parodie le sectarisme et ose être drôle sur des sujets aussi délicats que l'homosexualité, l'impuissance et la ménopause.

Partagez votre amour pour les émissions de télévision des années 1970 : qu'est-ce que les gens ont regardé ?

Le format "Famille" a été adapté avec succès par trois nouvelles comédies qui figuraient dans le top 10. Il s'agissait de "Sanford and Son", mettant en vedette Redd Foxx dans le rôle d'un homme de ferraille noir fanatique “Maude", avec Beatrice Arthur en tant que libéral chic radical bidon et « Bridget Loves Bernie », qui impliquait un mariage « mixte » et des beaux-parents juifs-catholiques.

Un vieux favori devait sortir de l'antenne. Causant le cœur brisé de beaucoup, NBC a annoncé en novembre que "Bonanza" ne serait plus diffusé en janvier 1973.

Les films, diffusés aux heures de grande écoute sept soirs par semaine, étaient plus gros que jamais. Love Story, avec la plupart de ses séquences sexy intactes, a obtenu une note de 42,3 Nielsen le 1er octobre, ce qui en fait (à l'époque) le film le mieux noté à la télévision de tous les temps.

Continuez à lire ci-dessous pour plus de détails sur chaque année, de 1970 à 1979, répertoriant les émissions de télévision les plus populaires des années 1970.


Les années 60

Malgré l'évolution des attitudes envers le média, en 1960, il ne faisait aucun doute que la télévision était le média de masse dominant aux États-Unis. Cette année-là, l'utilisation quotidienne moyenne de la radio par les ménages était tombée à moins de deux heures d'écoute de la télévision, d'autre part, avait grimpé à plus de cinq heures par jour et continuerait d'augmenter chaque année. Entre 1960 et 1965, le nombre moyen d'heures d'écoute quotidienne a augmenté de 23 minutes par foyer TV, le plus grand bond en cinq ans depuis 1950. Dans les salles de cinéma, la fréquentation hebdomadaire a plongé de 44 millions en 1965 à 17,5 millions par le fin de la décennie.


Histoire du football à la télévision

La NFL a connu des changements au cours des 55 dernières années. La télévision en fait partie. Dans les années 50, le football n'était pas un sport populaire. ABC, NBC et CBS ont diffusé le baseball à la télévision le samedi après-midi. C'était un rituel hebdomadaire pour le baseball d'avoir un match à la télévision chaque semaine. Dans la NFL, il y avait peut-être 1 match le jour et peut-être 1 match la nuit. En 1956, CBS a décidé de transporter les jeux sur les marchés locaux tous les dimanches.

NBC a télévisé certains matchs le dimanche après-midi dans les années 50, mais pas comme dans les années 60. NBC a télévisé le match de championnat de la NFL de 1958. Pourquoi ce jeu est-il si spécial ? Les Colts de Baltimore ont battu les Giants de New York au Yankee Stadium 23-17 en prolongation. C'était la seule fois qu'un match de championnat s'est soldé par une mort subite. Les Colts ont battu les Giants lorsque Johnny Unitas a remis le ballon à Alan Ameche pour marquer le touché gagnant.

Dans les années 1960, l'AFL a été organisée. ABC a télévisé les matchs de l'AFL de 1960 à 1964. CBS a télévisé les matchs de la NFL 1960-1969. ABC a télévisé les matchs du championnat de l'AFL 1960-1964. NBC a ensuite commencé à télédiffuser les matchs de l'AFL en 1965. Lors du premier match du Super Bowl qui a eu lieu le 15 janvier 1967, CBS et NBC ont télévisé le match. C'était la seule fois où les deux réseaux ont diffusé le même match en direct. En 1964, CBS a expérimenté le format « moitié-moitié ». Dans ce cas, la première mi-temps a été diffusée par les annonceurs de l'équipe à domicile, la seconde mi-temps a été diffusée par les annonceurs de l'équipe visiteur. Cela n'a pas duré longtemps.

Le 25 novembre 1965, jour de Thanksgiving, CBS a diffusé son premier match de la NFL en couleur. C'était les Lions contre les Colts. Ils diffuseraient également en couleur la même saison, le match éliminatoire entre les Colts contre les Packers, puis une semaine plus tard, le match de championnat de la NFL entre les Browns contre les Packers. En 1968, tous les matchs de CBS étaient télévisés en couleur. NBC a emboîté le pas avec les matchs de l'AFL.

Le commissaire de la NFL, Pete Rozelle, voulait avoir un match de football un soir de semaine. CBS et NBC n'avaient d'abord aucun intérêt à le faire. En 1966 et 1967, CBS a télévisé un match du lundi soir. NBC a fait de même pour l'AFL en 1968 et 1969. Le football du lundi soir, tel qu'il est aujourd'hui, a commencé en 1970. ABC est revenu et a suivi ce cours. Pete Rozelle a demandé à NBC et CBS s'ils voulaient diffuser le lundi soir comme une chose hebdomadaire. Les deux réseaux ont refusé d'accepter l'accord et ont conservé leurs matchs du dimanche après-midi. ABC a décidé de se joindre à l'offre.

Lorsque l'AFL et la NFL ont fusionné en 1970, CBS et NBC diffusaient toujours les jeux. CBS diffusait les jeux NFC tandis que NBC diffusait les jeux AFC. Cela a continué jusqu'à la saison 1993. En 1994, FOX a repris les jeux NFC et laissé CBS de côté.


ESPN a fait ses débuts en 1979, ils ont été le premier grand réseau câblé à diffuser les 4 sports. En 1987, ESPN a commencé à diffuser le football du dimanche soir. C'était une grande chose pour ESPN, car ils n'avaient jamais diffusé le football de la NFL et n'avaient pas encore télévisé le baseball. Ils se faisaient encore un nom. ESPN est également celui qui a changé la façon dont le repêchage de la NFL est perçu. Avec ESPN télédiffusant le repêchage, cela a rendu le football plus populaire. Au début des années 90, ESPN et TNT diffusaient le football du dimanche soir. Après qu'ESPN ait obtenu la Major League Baseball en 1990, ils ont dû diffuser du baseball le dimanche soir pendant la première moitié de la saison de la NFL. Lorsque la saison régulière s'est terminée au baseball, ESPN a ensuite télévisé les matchs de la NFL jusqu'à la fin de la saison.

En 1997, NBC était dans sa dernière année de contrat. Ils pensaient qu'ils diffuseraient la NFL pendant les 10 prochaines années, mais cela ne s'est pas produit. En 1998, CBS a remporté l'appel d'offres et a télévisé les matchs de l'AFC et a laissé NBC de côté. CBS diffuse toujours les matchs de l'AFC, après avoir été sans football pendant 5 ans. FOX est toujours aussi fort depuis 18 ans, et ils semblent ne pas être apprivoisés. En 2005, ABC a dit au revoir au Monday Night Football. Après avoir été le premier réseau à le faire, ils ont cessé de diffuser le football après la saison 2005. NBC est revenu et a repris les matchs du dimanche soir en 2006. NBC a remporté une offre pour rejoindre la NFL après avoir été absent du football pendant 9 ans. ESPN a ensuite remporté les matchs du lundi soir.

Le réseau NFL a fait ses débuts en 2003. Ils ont commencé à diffuser le football NFL le jeudi soir en 2006. Le réseau NFL diffuse 8 matchs au cours de la saison. Ils commencent le jour de Thanksgiving, puis continuent jusqu'à la fin de la saison. Parfois, ils télévisaient les matchs le samedi. Le réseau NFL est sur l'antenne parabolique directe. Certaines personnes peuvent obtenir le réseau NFL via leur fournisseur de câble sans fil. NFL Network diffuse également des matchs de pré-saison.

La NFL a vu tant de changements à la télévision au cours des 5 dernières décennies. Ils ont fait tellement d'argent sur les revenus de la télévision et ont beaucoup aidé la NFL. Sans NBC, ABC, CBS, ESPN, FOX et NFL Network, la NFL ne durerait pas aussi longtemps qu'elle l'a fait. Le baseball pendant tant d'années était le sport le plus populaire. Lorsque des joueurs comme Jerry Rice, Deion Sanders, Emmitt Smith, Steve Young, Brett Favre et Peyton Manning sont montés sur le ring, cela a changé la dynamique du football. Bien sûr, des joueurs comme Bart Starr, Paul Hornung, Johnny Unitas, Joe Namath, Jim Brown et Otto Graham étaient de grands joueurs dans les années 50-60, mais pas comme les joueurs d'aujourd'hui.


Programme de télévision aux heures de grande écoute de 1965 - Histoire

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Un aperçu des sitcoms et des séries télévisées les plus révolutionnaires des années 1950 à nos jours.

Le mouvement des droits civiques était un combat pour que les Noirs obtiennent l'égalité des droits en vertu de la loi fédérale. Cependant, le mouvement était plus qu'une plate-forme pour la justice sociale, il a également brisé les barrières pour les Noirs dans l'industrie du divertissement et de la télévision. Bien que l'esclavage ait été aboli, la discrimination et le racisme existent toujours, en particulier à la télévision grand public. Les Noirs ont continué à jouer des rôles de serviteur dans les films grand public et à faire des caricatures racistes. Cette semaine, le Los Angeles Sentinel célèbre le mois de l'histoire des Noirs et la culture noire en jetant un regard rétrospectif sur l'évolution de la télévision et des sitcoms afro-américaines.

“Amos et Andy” : Tim Moore, en haut, jouant le Kingfish espiègle mais sympathique, Spencer Williams, en bas à gauche, comme Andy crédule et romantique, et Alvin Childress comme Amos accueillant et logique sont de retour avec la sortie de 20 épisodes de “The Amos ‘n’ Andy Show” sur vidéocassette. Cette décision a contribué à une réévaluation de la série et de sa place dans la culture populaire. L'émission CBS 1951-1953 a été la cible de protestations déterminées de la NAACP et est pratiquement invisible depuis qu'elle a été retirée de la syndication en 1966. (Photo avec l'aimable autorisation: AP Photo)

Amos 'n' Andy (1951-1953)

En 1951, l'émission comique "Amos 'n' Andy" est sortie sur les écrans. L'émission était centrée sur les stratagèmes de s'enrichir de The Kingfish, qui impliquaient généralement de tromper ses frères. De nombreux téléspectateurs ont découvert que l'émission ignorait les problèmes de la vie réelle auxquels les Noirs étaient confrontés, dépeint une idée inexacte de la classe moyenne noire et perpétuait des stéréotypes humiliants. D'un autre côté, certains ont fait valoir que la série offrait des emplois aux acteurs noirs et « normalisait la vie noire ».

Peu de temps après la diffusion de l'émission, les notes de Nielsen ont classé "Amos 'n' Andy" numéro 13. Une fois que la NAACP a eu vent des notes, l'association a lancé un boycott de son sponsor Blatz Beer. En avril, Blatz Beer a retiré son parrainage. Cependant, CBS a continué la syndication de la série plus de quatre fois. En fait, l'émission est restée en syndication pendant 13 ans après avoir été retirée de la grille du réseau.

“J'espionne” : Le comédien Bill Cosby aux côtés de sa co-star, Robert Culp. (photo de courtoisie)

J'espionne (1965-1968)

Qui se souvient de l'émission « I Spy » avec Robert Culp et Bill Cosby ? La série télévisée des années 1960 parlait d'une paire d'agents de renseignement se faisant passer pour un pro du tennis et son entraîneur partant en missions secrètes à travers le monde. Bien que "I Spy" ait été une rupture significative des stéréotypes noirs, il a créé une norme invisible pour les acteurs noirs à la télévision aux heures de grande écoute. Les noirs sont acceptables tant qu'ils sont en partenariat avec des co-stars blanches.

“Racines” : LeVar Burton dans le rôle de Kunta Kinte dans une scène des années 1977 ‘Roots’ (photo avec l'aimable autorisation : Time Magazine)

Au cours des années 1970, les téléspectateurs ont commencé à voir une augmentation du nombre de rôles pour les acteurs noirs. De plus, la classe moyenne noire et l'influence politique ont commencé à croître. En 1977, la mini-série en sept parties « Roots » est devenue la première grande série télévisée à présenter une distribution principalement noire et à aborder la question du racisme et de l'esclavage à la télévision aux heures de grande écoute. "Roots" a également été l'un des premiers du genre à capturer les oppressions raciales, le lynchage et bien plus encore dans un cadre historique. La série a été diffusée dans 85 % des foyers aux États-Unis et est encore utilisée aujourd'hui dans les salles de classe du monde entier pour lancer la conversation sur l'histoire des Noirs et l'esclavage.

“Soul Train” : Les jeunes montrent leurs mouvements de danse dans le spectacle de danse préféré des États-Unis « Soul Train » (photo avec l'aimable autorisation du Musée national de la musique afro-américaine)

Train des âmes (1971-2006)

"Soul Train", surnommé le spectacle de danse préféré des États-Unis, était le spectacle le plus ancien et le plus révolutionnaire de tous les temps. Le spectacle de musique et de danse, qui a duré 35 ans, a présenté des performances d'artistes R&B, soul, pop et hip hop ainsi que d'artistes funk, jazz, disco et gospel. L'animateur de l'émission, Don Cornelius, qui a commencé sa carrière en tant que flic de beat devenu DJ, voulait créer un spectacle qui ferait danser les adolescents noirs sur les derniers tubes des musiciens noirs. Son inspiration est venue après le mouvement des droits civiques. Cornelius croyait qu'il y avait un besoin de "Black joy" à la télévision et c'est ainsi que "Soul Train" a été créé. La pression de Cornelius pour que l'émission soit diffusée sur les réseaux a été un combat. En fait, il a reçu beaucoup de rejet. Les critiques ont affirmé que l'émission serait "difficile à vendre aux affiliés du Sud". Bien que Cornelius ait accepté de syndiquer l'émission, les stations de tout le pays ne l'ont pas diffusée ou ont "enterré les épisodes" dans des tranches horaires de fin de soirée. Malgré de nombreux revers, « Soul Train » est devenu un hit !

Les Jefferson & Sanford and Son (années 1970)

Les « Jeffersons » (1975-1985) sont connus comme l'une des meilleures sitcoms de tous les temps. Le spectacle dépeint une famille noire vivant le «rêve américain». L'émission s'est concentrée sur les personnages George et Louise Jefferson qui sont tombés sur une grosse somme d'argent. Le couple, ainsi que leur fils Lionel, quittent le Queens pour s'installer dans un luxueux appartement de luxe à Manhattan.

"Sanford and Son" (1972-1977) est une version américaine de la série britannique "Steptoe and Son". L'émission de comédie est largement connue pour être un modèle de sitcom afro-américaine à succès et raconte les mésaventures d'un "vendeur acariâtre" et de son fils frustré.

“Cosby Show” : Le casting du « Cosby Show » (photo publiée avec l'aimable autorisation de : Bio.com)

Le spectacle Cosby (1984-1992)

Bill Cosby a frappé les écrans de télévision au début des années 1960 et est depuis devenu un pionnier dans l'industrie du divertissement. En 1984, Cosby aux côtés de Phylicia Rashad, Sabrina Lebeauf, Lisa Bonet, Malcolm-Jamal Warner, Tempestt Bledsoe et Keshia Knight Pulliam ont joué dans le "Cosby Show". La série télévisée a été l'une des premières du genre à avoir une distribution principalement noire. Le spectacle a prouvé aux opposants que vous pouvez avoir un casting entièrement noir et réussir sans vous appuyer sur les épaules d'acteurs blancs pour obtenir les notes. Le spectacle d'humour a mis en lumière la culture et l'histoire des Noirs et a abordé des problèmes sociaux contemporains.

“Différents Monde” : Le casting de "A Different World" (photo avec l'aimable autorisation: HBCU Buzz)

Un monde différent (1987-1993)

Le Cosby Show est connu pour avoir joué un rôle de premier plan dans l'histoire noire de la télévision, cependant, le spin-off de l'émission, "A Different World", était connu pour avoir changé la donne. L'émission "A Different World" parlait d'un groupe d'étudiants d'une université historiquement noire et de leurs défis quotidiens avec un collège survivant. Dans la série, les téléspectateurs voient le personnage de "Cosby Show" Denise Huxtable et ses pairs discuter de graves problèmes sociaux, de romance et d'amitié parmi de nombreux autres sujets liés.

L'évolution des acteurs noirs dans l'industrie du divertissement et de la télévision était tout un spectacle à voir. En fait, la liste des émissions révolutionnaires noires est interminable. Les acteurs de couleur sont passés du rôle de personnages stéréotypés au visage noir et de la représentation de serviteurs à la réintroduction de la culture et de l'histoire des Noirs dans le monde. Bien qu'il y ait place à l'amélioration et au changement continu à Hollywood, nous devons arrêter d'applaudir tous les hommes, femmes et réseaux noirs qui ont joué un rôle dans le changement que nous voyons dans les émissions de télévision modernes comme "Martin", "Tout le monde déteste Chris », « Black-ish », « Being Mary Jane », « Empire », « Insecure », toutes les séries de Tyler Perry et Oprah Winfrey et bien d'autres.


"Moondog Alan libéré" 1951-1965


Scène de concert de danse des années 50 avec Alan Freed (à l'extrême droite) en tant que DJ et animateur. Couverture de CD pour la collection de chansons des années 1950 des années de radio de Freed. Célèbre Grove Records / 1997-98. Cliquez pour le CD.

Le tarif normal de la journée était principalement un mélange de musique Big Band, de vieux standards, de crooners à la Frank Sinatra, de quelques airs pop et de quelques chansons de nouveauté. Parmi les singles n°1 en 1950, par exemple, figuraient : « I Can Dream, Can't I », des Andrews Sisters « Chattanooga Shoe Shine Boy », de Red Foley “Music ! Musique! Musique !, de Teresa Brewer "Mona Lisa" de Nat King Cole et "The Tennessee Waltz", de Patti Page, entre autres.

Mais ce style de musique – qui restera un genre standard pendant des années – faisait place à un nouveau son et à un nouveau genre de musique. Et un endroit où la nouvelle musique était diffusée à la radio était à Cleveland, Ohio, par un disc-jockey de fin de soirée nommé Alan Freed.

Travaillant à la station WJW et utilisant le surnom à l'antenne "Moondog", Freed en 1951 jouait un mélange de musique rhythm and blues (R&B) - de la musique interprétée et écoutée par la plupart des Afro-Américains de la musique qui n'était pas largement diffusée sur le grand public. radio. C'était la musique qui allait bientôt être connue sous le nom de "rock 'n roll" - un nom que Freed serait plus tard crédité d'avoir avancé, sinon inventé.


"Moondog" Alan Freed en 1951 à la station de radio WJW de Cleveland où il a appelé la nouvelle musique qu'il jouait, "rock 'n roll".

La musique R&B était alors également connue sous le nom de «musique de course» qui était largement jouée dans la communauté noire mais rarement dans l'Amérique blanche. La musique R&B était une ségrégation raciale, comme une grande partie de la société américaine à l'époque. Mais Alan Freed de WJW à Cleveland a rapidement commencé à utiliser la musique comme pièce maîtresse de ses émissions. Freed a commencé son programme de musique R&B en juillet 1951 et il commencera plus tard à l'appeler musique "rock 'n roll". Il façonnerait également un nouveau type de « conversation DJ » lors de ses émissions, en improvisant et en utilisant une partie de la langue qu'il entendait sur les enregistrements qu'il proposait.

« Ouais, papa », disait-il, « faisons du rock and roll ! » Il avait 29 ans à l'époque. Son émission de fin de soirée s'appelait "The Moondog House" et elle est rapidement devenue populaire auprès des jeunes enfants - noirs et blancs - de Cleveland, Ohio et au-delà. En fait, Alan Freed serait considéré comme l'un des premiers moteurs de la musique « rock 'n roll » et des premiers concerts de rock. Et Cleveland, la ville où les émissions de rock'n roll ont commencé, sera plus tard honorée du musée Rock and Roll Hall of Fame en hommage à Freed.Mais lorsque Freed est arrivé à Cleveland au début des années 1950, il n'avait pas l'idée de diffuser de la musique R& B.


Publicité imprimée du début des années 1950 pour l'émission de radio d'Alan Freed sur WJW de Cleveland, parrainée par le Record Rendezvous.

En 1949, Freed avait déménagé à WXEL-TV à Cleveland. Là, Freed rencontrera plus tard le propriétaire du magasin de disques Leo Mintz au début de 1951 qui l'a exhorté à animer un programme de musique R&B sur la radio WJW.

Mintz était le propriétaire du Record Rendezvous, l'un des plus grands magasins de disques de Cleveland, et il avait remarqué quelques années plus tôt de jeunes enfants blancs achetant ce qui était considéré comme de la musique exclusivement noire.

Mintz pensait que la musique R& B attirait les enfants blancs en raison de son rythme et qu'elle pouvait être dansée facilement. Il a également proposé d'acheter du temps d'antenne sur la station pour aider à sponsoriser l'émission R& B. Record Rendevous apparaîtrait également dans des publicités imprimées faisant la promotion des émissions de Freed, comme illustré dans la publicité ci-dessus, qui utilise un jargon radio pour présenter ses slogans publicitaires, tels que : « Il les fait tourner, il est HEP, ce Libéré ! »


Disc-jockey Alan Freed montré en studio avec un enregistrement 45 tours en main pour jouer dans son émission.

Freed a utilisé une chanson instrumentale, "Moondog Symphony", comme thème de son spectacle, une chanson d'un musicien de rue de New York nommé Louis T. Hardin qui a également utilisé le nom "Moondog". D'autres rapportent que Freed a utilisé la chanson « Blues for Moon Dog » comme thème radio, une chanson de Todd Rhodes.

Dans son émission, Freed appellera plus tard la musique qu'il jouait « rock'n roll », un terme que l'on retrouve dans la musique R&B. Il n'a pas été le premier à utiliser le terme, mais il est devenu le premier DJ à programmer de la musique R&B pour un public beaucoup plus large, aidant à faire prendre une toute nouvelle direction au monde de la musique.

WJW à l'époque était une station à canal clair de 50 000 watts suffisamment puissante pour atteindre un marché géant dans tout le Midwest. David Halberstam, décrivant l'ascension de Freed dans son livre Les années 50, a écrit:


Affiche publicitaire du « Moondog Coronation Ball » d'Alan Freed, 21 mars 1952, Cleveland, Ohio.

« Son succès a été immédiat. C'était comme si toute une génération de jeunes blancs de cette région avait attendu que quelqu'un les rattrape. Pour Freed, c'était ce qu'il attendait, il semblait prendre vie en tant que nouvelle personnalité branchée. Il était le Moondog, il gardait le rythme lui-même dans sa chambre live, y ajoutant en tapant sur un annuaire téléphonique de Cleveland. Il est devenu l'un d'eux, les gosses, de leur côté par opposition à celui de leurs parents, le premier adulte qui les a compris et ce qu'ils voulaient. Par son seul choix de musique, le Moondog a instantanément gagné leur confiance. Bientôt, il faisait des spectacles de rock en direct. La réponse a été remarquable. Personne dans l'industrie musicale locale n'avait jamais rien vu de tel auparavant. Deux ou trois mille enfants achèteraient des billets, tous pour des artistes dont les adultes n'avaient même jamais entendu parler.

Les concerts de danse de Freed étaient annoncés sur son émission de radio et il animerait également les spectacles en direct, apparaissant en tant que DJ, présentant des artistes invités et jouant des disques sur le site. En mars 1952, il fit la promotion d'un concert de danse qui se tiendrait à la Cleveland Arena qu'il appela le « Moondog Coronation Ball », que certains revendiquent comme le premier concert de rock. Un certain nombre d'actes de R& B en direct ont également été présentés dans le cadre de ce concert, notamment Paul Williams & The Hucklebuckers, Tiny Grims & The Rockin' Highlanders, The Dominoes, Danny Cobb et Varetta Dillard.


21 mars 1952 : Scène au Moondog Coronation Ball au Cleveland Arena, juste avant que les choses ne dégénèrent. Photo, Peter Hastings/Cleveland Plain Dealer.

Plus de 20 000 jeunes adolescents se sont présentés pour l'installation de hockey sur glace de 10 000 personnes. Une émeute s'est ensuivie lorsque la foule a fait irruption dans la patinoire. La police a répondu et le concert a été interrompu. Une partie du problème était due au fait qu'une deuxième nuit de divertissement Moondog Ball était prévue pour suivre la première nuit, mais tous les billets pour les deux nuits étaient imprimés avec la date de la première nuit, le 21 mars. Dans tous les cas, l'émeute qui en a résulté est devenue le sujet de conversation de la ville, car la communauté était indignée. Mais l'incident n'a fait qu'augmenter la visibilité de Freed et de son émission de radio, devenant alors plus populaire parmi les adolescents.


Août 1954. Publicité imprimée pour un grand spectacle de revue R&B à Cleveland avec l'hébergement d'Alan Freed.

«Nous sommes en 1953, et Alan Freed est à nouveau à l'antenne pour son Moondog Show de fin de soirée sur WJW… Freed jappements, gémissements et braiements, se préparant pour une autre soirée accueillant le spectacle de rhythm & blues le plus chaud du pays. Enfilant un gant de golf, il tape sur un annuaire téléphonique au rythme de la musique – peut-être « Money Honey » des Drifters, ou « Shake a Hand » de Faye Adams… [H]e fait tourner les hits et continue son baratin maniaque toute la nuit, crachant du jive rimé avec la vitesse et les inflexions d'un Holy Roller aux Pearly Gates.

En 1953, lorsque « The Biggest Rhythm and Blues Show » (dirigé par la Gale Theatrical Agency) est venu à Cleveland en tournée cet été-là, Freed était l'animateur vedette. Le 17 juillet 1953, des milliers de personnes sont venues pour ce spectacle à la Cleveland Arena, qui mettait également en vedette la star de la boxe et la célébrité Joe Louis pour une brève apparition, ainsi qu'une liste complète d'artistes comprenant : Ruth Brown, Wynonie Harris, Leonard Reed, les claquettes Edwards Sisters, Dusty Fletcher, Stuffy Bryant et le Buddy Johnson Orchestra. Cette tournée a attiré un public en grande partie noir et est devenue la plus grosse revue R&B de son époque. En 1954, une tournée similaire a de nouveau eu lieu à Cleveland en août, avec Freed qui présentait également ce spectacle.

Ces revues R&B, ainsi que les propres spectacles et danses de Freed, ont attiré des dizaines de milliers d'adolescents, noirs et blancs. Les émissions de Freed de WJW à Cleveland, quant à elles, étaient captées par certaines stations de radio de l'Est, sur Newark, la station WNJR du New Jersey, par exemple, où l'émission a trouvé un public réceptif. Les émissions de Freed étaient captées par les stations de radio de l'Est, et son style à l'antenne s'étendait maintenant à d'autres DJ qui jouaient un mélange similaire de musique. Le style radiophonique de Freed s'étendait également à d'autres DJ, qui jouaient un mélange de musique similaire. Et au début et au milieu des années 1950, la nouvelle musique rock'n roll était également écoutée sur de petites radios transistorisées portatives, puis se vendait entre 25 $ et 50 $.

En mai 1954, Freed s'est rendu à Newark, dans le New Jersey, où il a organisé le "Eastern Moondog Coronation Ball" au Sussex Avenue Armory à Newark. C'était la première apparition personnelle de Freed dans la région de New York. Parmi les artistes R&B qui sont apparus il y avait : Buddy Johnson et son orchestre et chanteur Ella Johnson The Clovers, un quatuor vocal Roost Bonnemera et son Mambo Band Nolan Lewis, la star de l'enregistrement Mercury Sam Butera, le saxophoniste de jazz Muddy Waters, le guitariste de blues The Harptones et Charles Brown. Une foule d'environ 11 000 personnes est venue pour le spectacle de Freed à Newark. RCA Victor a enregistré l'intégralité du spectacle pour une utilisation sur un album spécial de Moondog. Notre monde magazine a également couvert l'événement dans une histoire illustrée en vedette.


En septembre 1954, Alan Freed quittera WJW à Cleveland, Ohio pour WINS à New York.


Janvier 1955 : publicité dans le magazine « Billboard » pour les émissions d'Alan Freed à la radio WINS, New York.

En septembre 1954, Freed est embauché par la radio WINS à New York. Là, il recevrait un salaire de 75 000 $ par an plus un pourcentage de syndication, car plus de 40 stations de radio s'inscriraient à la diffusion simultanée ou à la retransmission de son émission. La « Rock 'n Roll Party #1″» de Freed a été diffusée du lundi au samedi de 19h00 à 21h00. créneau horaire. Une autre émission de fin de soirée, "Rock 'n Roll Party #2", a été diffusée du lundi au jeudi dans la plage horaire de 23 h 00 à 01 h 00 et les vendredis et samedis de 23 h 00 à 02 h 00.

Les concerts de danse en direct de Freed, quant à eux, sont rapidement devenus des sensations new-yorkaises. Les 14 et 15 janvier 1955, il a organisé une danse historique au St Nicholas Ballroom à Manhattan, faisant la promotion des artistes noirs en tant qu'artistes rock'n roll. Chaque nuit était à guichets fermés, avec quelque 12 000 brouillages dans la salle. La porte pour les deux nuits était de 27 500 $, une somme assez intéressante à l'époque. Parmi les artistes figuraient Joe Turner et Fats Domino.

Freed est également devenu connu pour ses spectacles sur scène new-yorkais aux théâtres Paramount de Brooklyn et de New York. Lors de l'un des spectacles de Freed à Brooklyn Paramount en septembre 1955, intitulé sa "First Anniversary Rock 'n' Roll Party", il a battu le record de tous les temps pour les théâtres Paramount de Brooklyn et de New York avec une porte de 178 000 $ (pour un huit jours de course). Cela a dépassé le précédent record établi par l'équipe de comédie Dean Martin-Jerry Lewis quelques années plus tôt lorsqu'ils avaient atteint la barre des 147 000 $ au Paramount de New York. Parmi ceux qui se sont produits à ce spectacle, il y avait : Red Prysock et son groupe, The Cardinals, The Rythmettes, Nappy Brown, The Four Voices, The Harptones, Chuck Berry (qui faisait "Maybelene"), The Nutmegs, Al Hibber, Lillian Briggs et d'autres.

A écrit un Caisse journaliste qui a couvert l'émission :


Années 1950 : Le chapiteau électrique du Brooklyn Paramount la nuit annonçant un spectacle d'Alan Freed et des participants vedettes.

"…Ce critique a traversé l'hystérie de l'adolescence qui a existé de 1936 à 1945 lorsque les enfants ont dansé dans les allées sur la musique de Benny Goodman, Frank Sinatra, Tommy Dorsey et d'autres, mais ces yeux n'ont jamais vu une exubérance fanatique telle que le type affiché au sensationnel programme Rock 'n roll du 1er anniversaire d'Alan Freed & #8230"

En décembre 1956, au cours d'une période de huit jours pendant les vacances de Noël, Freed a lancé son "Rock 'n Roll Christmas Show" au Brooklyn Paramount avec une programmation comprenant: les Drifters, Fats Domino, Joe Turner et d'autres. Tous les musiciens étaient noirs, mais au moins la moitié du public remplissant l'arène était blanche.


Publicité imprimée pour l'un des spectacles de Noël d'Alan Freed qui se déroule sur 8 jours au Brooklyn Paramount, dans les années 1950.

De retour à la maison, pendant ce temps, l'émission de radio de Freed avait également une influence sur les artistes américains émergents. Fred Bronson, écrivant dans Les 100 hits les plus chauds de Billboard, offre le récit suivant de la façon dont l'émission de Freed a eu un impact sur la formation de l'un des « groupes de filles » les plus réussis de la fin des années 1950 :

…Arlene Smith était la chef des Chantels, et son inspiration pour former son groupe de filles était un homme – ou plutôt, un adolescent. "Alan Freed est venu à la radio et a joué Frankie Lymon & the Teenagers en chantant" Why Do Fools Fall in Love "", a déclaré Smith à Charlotte Greig dans [her book] Will You Still Love Me Tomorrow? "C'était une belle voix haute et une belle chanson. Puis Freed annonce que Frankie n'a que 13 ans ! Eh bien, j'ai dû m'asseoir. C'était un grand mystère, comment entrer dans ce truc de radio ? Cela semblait si loin, mais j'ai pris la décision consciente de faire la même chose.


Affiche d'octobre 1955 pour un spectacle d'Alan Freed à l'Apollo Theatre de New York.

Lorsque Frankie Lymon a joué dans un théâtre du Bronx, Arlene a emmené son groupe rencontrer Richard Barrett, le manager de Lymon. Dans les coulisses, les Chantels ont chanté l'une des chansons d'Arlene, "The Plea". Barrett les aimait suffisamment pour dire au propriétaire de la maison de disques George Goldner qu'il voulait les signer. Leur première sortie était "He's Gone" sur le label Goldner's End, il a culminé au n ° 71. Leur prochain single, "Maybe", est allé au n ° 15.

En l'espace de cinq ans environ, Alan Freed a contribué à faire du son rhythm and blues une présence plus importante dans la musique pop et mainstream. Au début de 1956, l'industrie de la musique faisait de la publicité pour les disques "rock 'n roll" dans les journaux commerciaux. Une citation attribuée à Freed de février 1956, l'amène à expliquer la nouvelle musique : « Le rock'n roll, c'est vraiment du swing avec un nom moderne. Il a commencé sur les digues et les plantations, a pris des chansons folkloriques et présente du blues et du rythme. C'est le rythme qui arrive aux enfants - ils sont affamés de musique sur laquelle ils peuvent danser, après toutes ces années de crooners. Freed était également devenu un champion des adolescents et de leurs intérêts musicaux, et une sorte d'intermédiaire dans la lutte contre ceux qui voulaient interdire la musique, la considérant comme une influence sur la « délinquance juvénile », un problème social et politique préoccupant à la temps.

En 1957, alors qu'il travaillait pour WINS, Freed continua à animer ses grandes revues dans la région de New York et ailleurs. À Calgary, en Ontario, par exemple, Freed’s “The Biggest Show Of Stars For 1957” a joué au Stampede Corral. Les interprètes comprenaient Fats Domino, Chuck Berry, Buddy Holly and the Crickets, les Everly Brothers, Paul Anka, Clyde McPhatter, Eddie Cochrane, Buddy Knox, Frankie Lymon, LaVern Baker et The Drifters. Les billets ne coûtaient que 2,50 $. Le spectacle a également joué dans les villes canadiennes d'Edmonton et de Regina les deux soirs suivants.

En septembre 1957, Freed était une figure populaire de l'industrie de la musique, et au cours de ce mois, il a organisé une grande fête de l'industrie dans sa résidence « Greycliffe » à Stamford, Connecticut. Parmi les dirigeants de labels musicaux présents au rassemblement se trouvaient : Bob Thiele de Coral Records Sam Clark d'ABC-Paramount Morris Levy et Joe Kolsky de Roulette Records et Jerry Wexler, Herb Abramson et Ahmet Ertegun d'Atlantic. Alan Freed à cette époque ne limitait pas son exposition à l'industrie de la musique via la radio et la télévision. Il a également été impliqué dans l'introduction de la musique rock 'n roll au cinéma.

"Films rock'n'roll"
1956-1959 : Avec Alan Libéré


Affiche pour le film de 1956, « Rock Around The Clock », présenté comme « le premier grand film rock 'n roll de l'écran ! » Cliquez pour un DVD de 2 films.

Cette première combinaison de musique rock 'n roll avec un film a également attiré l'attention des promoteurs hollywoodiens - et DJ Alan Freed n'était pas loin derrière. Mais Hollywood est venu pour la première fois à Freed, le considérant, lui et sa plate-forme radio, comme un véhicule de marketing. "…Deejays hors de la ville remarquaient tout ce que Freed faisait", a expliqué Paul Sherman, qui a travaillé avec Freed à New York. "Ce que Freed a joué, ils ont joué, ce que Freed a fait vibrer, ils ont fait du bruit & #8230" Alors Freed a accepté de participer à un film intitulé Rock autour de l'horloge. En concluant l'accord, Freed voulait d'abord de l'argent comptant à l'avance, mais a été persuadé d'envisager de ne prendre qu'un peu d'argent à l'avance et un pourcentage du box-office. Cela s'est avéré être une bonne affaire pour Freed plus tard, ou comme le rappelle Paul Sherman : "Ils auraient pu acheter Freed pour 15 000 $, et à la place [avec l'arrangement en pourcentage] il a fait fortune."


Scène de "Rock Around The Clock" avec Bill Haley, au centre, chemise à carreaux et Alan Freed, en haut à droite. Cliquez pour l'histoire de Haley.

En plus de Bill Haley, un certain nombre d'artistes apparaissent, dont les Platters, Tony Martinez et son groupe, et Freddie Bell and His Bellboys.

Le film a également marqué les débuts à l'écran d'Alan Freed, qui joue un disc-jockey qui réserve le groupe Haley dans un lieu qui leur donne l'exposition et l'avis dont ils ont besoin pour percer.

L'année suivante, deux autres films rock'n roll ont été réalisés avec Freed. Roche, Roche, Roche, était un film en noir et blanc présentant des performances d'un certain nombre de premières stars du rock 'n roll, telles que Chuck Berry, LaVern Baker, Teddy Randazzo, The Moonglows, The Flamingos et The Teenagers avec Frankie Lymon en tant que chanteur principal. L'histoire du film met en scène l'adolescente Dori Graham, interprétée par Tuesday Weld, alors âgée de 13 ans, qui n'arrive pas à convaincre son père de lui acheter une robe bustier pour le bal et doit trouver l'argent elle-même à temps pour le grand bal. La voix de Dori pour ses chansons, n'était pas celle de Tuesday Weld, mais celle de la chanteuse Connie Francis. David Winters qui apparaîtra plus tard dans West Side Story, est aussi dans le film. Et Valerie Harper, plus tard de Rhoda renommée télévisée d'un Spectacle de Mary Tyler Moore spin off, a fait ses débuts au cinéma dans la scène du bal de Roche, Roche, Roche.

Un autre film du même genre sorti également en 1957, Monsieur Rock and Roll, met en vedette Freed, le boxeur professionnel Rocky Graziano et un certain nombre d'artistes musicaux, notamment : Teddy Randazzo, Lionel Hampton, Ferlin Husky, Frankie Lymon, Little Richard, Brook Benton, Chuck Berry, Clyde McPhatter, LaVern Baker et Screamin’ Jay Hawkins.

« Allez, Johnny Go ! »

Aller, Johnny Go ! était un film rock 'n roll de 1959 dans lequel Alan Freed jouait le rôle d'un découvreur de talents à la recherche d'une future star du rock 'n roll. Les co-vedettes du film étaient Jimmy Clanton, Sandy Stewart, Chuck Berry, Jackie Wilson, Ritchie Valens, The Cadillacs, Jo-Ann Campbell, The Flamingos, Harvey Fuqua et d'autres.

Dans le film, comme le résume Turner Classic Movies (TCM), Freed, joue une sorte de figure paternelle hipster essayant de donner aux jeunes talentueux l'exposition musicale dont ils ont besoin pour réussir. Johnny Melody, joué par Jimmy Clanton, est l'adolescent en difficulté dont la carrière musicale potentielle Freed aide à diriger et à sauver.

Dans ce conte, Clanton/Melody passe de la misère à la richesse via un disque démo diffusé dans l'émission de radio Freed's. Freed joue lui-même dans le film, tout comme Chuck Berry. Pourtant, l'intrigue, comme la plupart des films de ce genre, est mince et donne un visage nettoyé au rock ‘n roll. Néanmoins, il donne un aperçu de l'industrie musicale naissante de cette époque et de son premier battage médiatique.


Capture d'écran de "Go, Johnny Go!" montre Alan Freed à la batterie derrière Chuck Berry à la guitare.

Ritchie Valens, à 18 ans, a fait une apparition dans le film. Cependant, Valens mourra dans un accident d'avion avec Buddy Holly et le Big Bopper le 3 février 1959, plusieurs mois avant la sortie du film. Allez, Johnny Allez ! a également marqué la dernière apparition à l'écran de l'interprète de "rockabilly" Eddie Cochran, décédé dans un accident de voiture le 17 avril 1960.


Couverture de l'album de la bande originale du film « Go, Johnny Go ! » avec 19 chansons du film, publié au début de 1959. Cliquez pour le CD.

Le critique de TCM, quant à lui, notant que le film était une fiction cruelle et un mime épouvantable, a trouvé une valeur rédemptrice. Allez, Johnny Allez ! "offre la seule preuve émouvante de Ritchie Valens", observe-t-il, et comprend également "un fragment rare d'Eddie Cochran". Chuck Berry a du mal à être un gars sympa dans un rôle d'acteur majeur. Ce film aurait pu être meilleur, conclut-il, s'il s'était simplement engagé à être un film de concert ou un documentaire. Mais le «semblant d'intrigue» l'a rendu assez superficiel.

Controverse


En 1957, Alan Freed a brièvement eu sa propre émission de danse sur ABC-TV. Il est montré ici au centre, avec Jackie Wilson, à l'extrême gauche, et Jimmy Clanton, à gauche de Freed, et d'autres.


Les gros titres d'une histoire du Boston Globe de mai 1958 sont source de problèmes pour les spectacles d'Alan Freed.
Nov 1959 : Titre de journal tiré d'un article sur les audiences de payola.

En 1959, un candidat vedette du quiz télévisé Vingt-et-un, nommé Charles Van Doren – qui était devenu une sensation nationale pour son éclat supposé dans la série – a admis plus tard qu'il avait reçu les bonnes réponses à l'avance.

Le Congrès a eu une journée sur le terrain avec les scandales de l'émission télévisée “quiz”, puis s'est tourné vers l'industrie de la radio où un nouveau genre de musique "rock 'n roll" rauque bouleversait l'ordre établi — et certaines réflexions, alimentant la jeunesse la délinquance aussi.

Mais l'intérêt principal de l'intérêt du Congrès pour l'industrie de la musique était ce qu'on appelle le « payer pour jouer », où les DJ de la radio étaient payés en espèces ou recevaient d'autres faveurs de la part des représentants de l'industrie de la musique pour avoir répété ou « branché » des chansons afin de stimuler leur appel et ventes. Cette pratique a reçu le nom de «payola», une contraction dérivée des mots «paiement» et «Victrola».


Alan Freed, au centre, lors d'audiences à huis clos devant un comité de la Chambre des représentants des États-Unis enquêtant sur «payola» dans le secteur de la radio américaine, le 25 avril 1960.

Au début des années 1960, les audiences ont commencé et quelque vingt-cinq témoins seraient appelés, dont Clark et Freed, les présidents de plusieurs des plus grandes stations de radio du pays, des représentants de Panneau d'affichage revue et autres. Freed a témoigné lors d'une session à huis clos en avril 1960. Mais Freed avait déjà fait des déclarations publiques qui ne lui ont pas fait grand bien lorsqu'il est entré sous les projecteurs nationaux : "Ce qu'ils appellent payola dans le business du disc jockey", il aurait a dit à un moment donné, "ils appellent le lobbying à Washington."

Au moment des audiences, cependant, la payola n'était pas un crime dans la plupart des États, et de nombreux acteurs de l'industrie semblaient la considérer comme une pratique acceptée. Avant que tout ne soit terminé, le comité de surveillance de la Chambre des États-Unis, lors de sessions à huis clos et ouvertes, a entendu quelque 335 disc-jockeys de tout le pays qui ont admis avoir reçu plus de 263 000 $ en « honoraires de consultation ». Mais ce nombre était probablement faible, car un DJ, Phil Lind, de WAIT de Chicago, a indiqué qu'il avait déjà reçu 22 000 $ pour jouer un seul disque.


NY Sunday News publie en première page un article sur le limogeage d'Alan Freed par la radio WABC sur "payola", septembre 1960.

D'autres DJ et promoteurs impliqués dans payola ont subi des résultats similaires, mais beaucoup ont réussi à traverser la procédure avec seulement des dommages mineurs. L'importance croissante de Freed sur la scène nationale, cependant, a fait de lui une cible de choix. Et dans le sillage des sondes Payola, il y a eu aussi un impact sur la musique elle-même, ne serait-ce que temporaire.

"L'un des résultats du scandale Payola a été le changement de radio", explique John Jackson dans son livre, Big Beat Heat – Alan Freed et les premières années du rock 'n roll. La radio “WINS à New York a laissé tomber le rock'n roll et a joué Frank Sinatra trois jours d'affilée. D'autres stations ont laissé tomber des pierres. Les disc-jockeys ne pouvaient plus choisir les chansons et jouer ce qu'ils voulaient. La liste de lecture de la station est arrivée. Et la musique est devenue fade.”

“Boom-to-Bust”
Fortunes défaillantes

Alan Freed, quant à lui, a essayé de ramasser les morceaux de sa carrière brisée et de passer à autre chose. En 1960, après avoir quitté New York, il a été embauché par la station de radio de Los Angeles KDAY – une station appartenant, ironiquement, à la même société qui possédait WINS. Mais peu de temps après avoir commencé à KDAY, Freed a été rappelé à New York lorsqu'un grand jury a prononcé contre lui des accusations de corruption commerciale remontant à une dizaine d'années. En mai 1960, lui et sept autres DJ de radio ont été arrêtés et réservés à Manhattan, accusés d'avoir reçu un total de 116 850 $ en payola. Le verdict final dans le cas de Freed ne viendrait que quelques années plus tard.

De retour à KDAY, Freed avait signé un accord pour éviter Payola, et il est revenu à sa personnalité de DJ et à sa passion musicale, aidant à présenter de nouvelles chansons et artistes, tels que Kathy Young & the Innocents et leur hit-to-be , "Un millier d'étoiles." Freed prévoyait également de poursuivre ses concerts en direct dans la région de L.A., cette fois en regardant le Hollywood Bowl comme un lieu de choix pour les spectacles en direct. KDAY, cependant, n'a pas permis à Freed de promouvoir ou de mettre en scène ses concerts, et avec cela, il a quitté la station et est retourné à New York. À l'époque, la chanson à succès de Chubby Checker "The Twist" avait suscité une nouvelle mode de danse à l'échelle nationale, et Freed a animé un spectacle de twist en direct pendant un certain temps à New York. Mais alors que la rage de torsion s'estompait, Freed a quitté New York et a commencé à travailler à la station de radio WQAM à Miami, en Floride, un travail qui a duré environ deux mois.

En 1962, Freed était de retour à New York pour son procès pour corruption commerciale. Il a finalement été inculpé de 26 chefs de corruption commerciale. En décembre 1962, il a plaidé coupable à 2 chefs d'accusation, a été condamné à une peine avec sursis et a payé une amende de 300 $. Confronté à des factures juridiques croissantes pour ce combat, Freed a ensuite fait face à des accusations fédérales d'évasion fiscale en 1964. À ce moment-là, il vivait à Palm Springs, en Californie, et buvait beaucoup. Le jour du Nouvel An 1965, il est entré dans un hôpital de Palm Springs pour une hémorragie gastro-intestinale, résultant d'une cirrhose du foie. Il mourut vingt jours plus tard d'une insuffisance rénale. Il avait 43 ans.


Affiche du film de 1978 sur Alan Freed et les premiers jours du rock'n roll, "American Hot Wax". Cliquez pour l'affiche.

En 1986, Freed figurait parmi les premiers intronisés au Rock and Roll Hall of Fame de Cleveland - situé là-bas en partie en raison de l'influence de Freed sur les débuts du rock 'n roll. En 1988, il a également été intronisé à titre posthume au National Radio Hall of Fame.

En 1991, une « étoile » pour Alan Freed a été ajoutée en son nom au Hollywood Walk of Fame, la même année où la biographie de John Jackson sur Freed a été publiée – Big Beat Heat : Alan Freed et les premières années du rock & amp roll.

En 1999, une autre tentative de film sur Freed, celle-ci pour la télévision, intitulée M. Rock N Roll : L'histoire d'Alan Freed, avec Judd Gregg dans le rôle de Freed, a reçu un accueil mitigé, mais a toujours un public.

L'histoire de Freed est peut-être mieux racontée, cependant, à AlanFreed.com, un site Web bien assemblé géré par une partie de sa famille survivante, y compris un certain nombre d'enfants et de petits-enfants. Le site est fortement recommandé pour ceux qui veulent voir des sources d'information originales et d'autres documents. En plus des autres récompenses et intronisations déjà mentionnées, en février 2002, Freed a été honoré lors de la cérémonie annuelle des Grammy Awards avec un Trustees Award, décerné aux personnes qui, au cours de leur carrière musicale, ont apporté des contributions importantes, autres que la performance. , au domaine de l'enregistrement.” Et enfin, la mascotte de l'équipe de basket-ball professionnelle des Cleveland Cavaliers est nommée « Moondog », en l'honneur de Freed.


Édition cartonnée de 1991 de la biographie de John Jackson sur Alan Freed et les premières années du rock & roll (400pp), également disponible en 2007 en livre de poche. Cliquez pour copier.


Film de 2009, "M. Rock N Roll : The Alan Freed Story », avec : Judd Nelson dans le rôle d'Alan Freed, ainsi que Paula Abdul, Madchen Amick et d'autres. Cliquez pour filmer.

Voir aussi sur ce site Web, par exemple, « Bandstand Performers, 1963″ une histoire décrivant et répertoriant certains des invités musicaux qui sont apparus dans l'émission de danse télévisée « American Bandstand » de Dick Clark cette année-là à Philadelphie, ou « Elvis Riles Florida, 1955-56, une histoire décrivant Elvis Presley à Jacksonville, en Floride, où il faisait face à un mandat d'arrêt s'il « tournait » de manière trop suggestive sur scène. De plus, la page des sujets, “Pop Music 1950s,” comprend des liens vers plus de 20 histoires sur des chansons et des artistes de cette époque, et la page “Annals of Music” offre une sélection plus large au-delà.

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Date postée: 28 février 2014
Dernière mise à jour: 1 août 2019
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Citation de l'article :
Jack Doyle, "Moondog Alan Freed: 1951-1965,"
PopHistoryDig.com, 28 février 2014.

Sources, liens et informations supplémentaires


Alan Freed à la radio WAKR à Akron, Ohio, au milieu des années 40.


Article de journal Hartford Times (CT) annonçant un prochain spectacle sur scène d'Alan Freed en janvier 1958.


1958 : Alan Freed, parcourant une pile de disques 45 tours à la station de radio WABC à New York.


Affiche publicitaire pour un spectacle d'Alan Freed "Big Beat" du 16 avril 1958 pour le Théâtre Municipal de Tulsa, OK.


Alan Freed dans les années 1950, organisant probablement un spectacle en direct dans la région de New York, diffusé sur la radio WINS.


Marqueur historique de Pennsylvanie honorant Alan Freed à l'endroit de ses années d'enfance à Windber, PA.


8 septembre 1957 : De gauche à droite, Alan Freed, Larry Williams, Ben Dacosta (DJ) et Buddy Holly au NY Paramount Theatre.

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« Moon Doggers obtient un nouveau permis pour le bal », Le marchand simple (Cleveland, Ohio), 12 mai 1952.

« La danse du chien de la lune sera restreinte. Les règles de prévention des incendies de la ville menacent de s'ébattre » Le marchand simple (Cleveland, Ohio), 12 décembre 1952.

« Moondog aboyer pire que mordre seulement 500 à la danse » Le marchand simple (Cleveland, Ohio), 15 décembre 1952.

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Un marqueur historique de l'Ohio situé juste à l'extérieur du Rock 'n Roll Hall of Fame à Cleveland, commémore les contributions d'Alan Freed au rock 'n roll et note également qu'il était un "intronisé à la charte" au Hall (1986).

Programme de télévision aux heures de grande écoute de 1965 - Histoire

Dans les années 1940, les trois réseaux – NBC, CBS et ABC – n'étaient des « réseaux » que de nom. Toute la programmation est née, en direct, à New York. La seule façon pour les réseaux de distribuer les émissions au reste de la nation était de diriger une caméra vers un écran de télévision et de convertir la vidéo en film. Ces films 16 mm, connus sous le nom de kinéscopes, ont ensuite été dupliqués et expédiés aux quelques stations affiliées pour une diffusion ultérieure. Par nécessité, la plupart des émissions étaient locales, et les émissions de cuisine, la lutte et les dessins animés occupaient la majeure partie de la journée de diffusion.

Les réseaux sont devenus de véritables réseaux lorsque AT&T a terminé la pose d'un système de câbles coaxiaux d'un océan à l'autre.Coax – les câbles désormais familiers qui vont des prises murales de télévision par câble aux tuners actuels – ont suffisamment de bande passante, ou capacité de transport électrique, pour transmettre des centaines, voire des milliers d'appels téléphoniques ainsi que des signaux de télévision.

En 1952, pour la première fois, les journaux télévisés ont pu diffuser les conventions républicaines et démocrates en direct de Philadelphie vers le reste du pays. L'importance de cet événement pour l'Amérique rurale allait au-delà du fait que les résidents ruraux savaient en temps réel que Dwight D. Eisenhower et Adlai Stevenson se présentaient l'un contre l'autre à la présidence.

  • Les signaux de télévision qui pouvaient atteindre les coins les plus reculés des États-Unis ont brisé les derniers vestiges de l'isolement dans l'Amérique rurale.
  • La diffusion nationale commune d'émissions de télévision, d'actualités et d'événements sportifs populaires signifiait qu'il y avait une expérience nationale partagée. Le lendemain des grands événements télévisés, les chercheurs ont découvert que presque tout le monde parlait de l'événement. Ils ne disaient pas les mêmes choses, mais il y avait un sentiment de dialogue national.
  • L'expérience visuelle et auditive que la télévision a permise, surtout après l'avènement de la télévision couleur au début des années 60, a permis d'aplanir les différences culturelles régionales. Une culture « américaine » plus généralisée a coopté des sous-cultures régionales.
  • La télévision a familiarisé les résidents ruraux avec d'autres régions, rendant la migration encore plus attrayante.

Entre 1949 et 1969, le nombre de foyers aux États-Unis possédant au moins un téléviseur est passé de moins d'un million à 44 millions. Le nombre de stations de télévision commerciales est passé de 69 à 566. Le montant que les annonceurs ont payé à ces stations de télévision et aux réseaux est passé de 58 millions de dollars à 1,5 milliard de dollars.

Entre 1959 et 1970, le pourcentage de ménages aux États-Unis avec au moins un téléviseur est passé de 88 % à 96 %. En 1970, il y avait environ 700 stations de télévision UHF et VHF aujourd'hui il y en a 1 300. En 1970, les chaînes de télévision et les réseaux ont engrangé 3,6 milliards de dollars de revenus publicitaires aujourd'hui, ce chiffre dépasse les 60 milliards de dollars.

La programmation télévisée a eu un impact énorme sur la culture américaine et mondiale. De nombreux critiques ont qualifié les années 1950 d'âge d'or de la télévision. Les téléviseurs étaient chers et le public était donc généralement aisé. Les programmateurs de télévision le savaient et ils savaient que les dramatiques dramatiques de Broadway attiraient ce segment d'audience. Ainsi, les producteurs ont commencé à mettre en scène des pièces de Broadway dans les studios de télévision. Plus tard, des auteurs de Broadway, comme Paddy Chayefsky, Reggie Rose et J.P. Miller ont écrit des pièces spécialement pour la télévision. Leurs pièces – Marty, douze hommes en colère, et Journées du Vin et des Roses, respectivement – tous sont devenus des films à succès.

Au fur et à mesure que les foyers équipés de téléviseurs se sont multipliés et se sont étendus à d'autres segments de la société, une programmation plus variée est arrivée. Les comédies de situation et les émissions de variétés étaient des formats empruntés à la radio. D'anciennes stars du vaudeville comme Milton Berle, Sid Caesar et Jackie Gleason ont trouvé la célébrité après des années de labeur sur les scènes. Ernie Kovacs a été l'un des premiers comédiens à vraiment comprendre et exploiter la technologie de la télévision et est devenu un maître du gag visuel.

Au cours des années 50, les quiz sont devenus populaires jusqu'à ce qu'un scandale éclate. Pendant trois ans, les producteurs de "La question à 64 000 $" ont fourni à un candidat attrayant les réponses à des questions difficiles pour intensifier le drame.

Pendant ce temps, de nombreux genres que le public d'aujourd'hui connaît bien ont été développés : westerns, émissions pour enfants, comédies de situation, comédies à sketches, jeux télévisés, drames, émissions d'actualités et de sports.

Dans les années 50 et 60, le journal télévisé a produit peut-être certaines de ses meilleures performances. Edward R. Murrow a exposé les tactiques d'insinuations et d'accusations non fondées que le sénateur Joseph McCarthy a utilisées pour exploiter la peur du communisme du pays. Les débats télévisés entre Kennedy et Nixon ont été crédités d'avoir donné à JFK une mince victoire électorale.

La couverture filmée du mouvement des droits civiques et la couverture en direct de la marche de Martin Luther King sur Washington ont mis ces questions en évidence.

Lorsque le président Kennedy a été assassiné le vendredi 22 novembre 1963, la plupart des Américains ont immédiatement allumé la télévision pour avoir les nouvelles. Les réseaux ont consacré des jours et des jours de temps d'antenne à la couverture de la tragédie, des funérailles et des conséquences. De nombreux Américains (qui sont peut-être rentrés tôt de l'église) regardaient une couverture en direct dimanche matin 24 novembre, lorsqu'ils ont vu Jack Ruby tuer l'assassin présumé Lee Harvey Oswald.

Plus tard, la couverture de la guerre du Vietnam a été créditée, pour la première fois, d'amener la guerre dans les salons des citoyens. Lorsque le présentateur de CBS News, Walter Cronkite, a publié un éditorial contre la guerre, Pres. Johnson aurait déclaré : « Si j'ai perdu Cronkite, j'ai perdu le pays. En quelques semaines, après avoir également appris qu'il avait perdu le soutien d'acteurs clés de Wall Street, Johnson a décidé de ne pas se présenter à sa réélection.

Pourtant, ce fut aussi une période d'évasion abondante à la télévision. Les producteurs ont ajouté la science-fiction au mélange des genres à la télévision, peut-être en réponse au programme spatial de la NASA. Cette époque a produit certaines des rediffusions les plus durables de l'histoire de la télévision. "Star Trek" en est le meilleur exemple.

Au milieu de la tourmente des années 60, il est fascinant de constater que certains des spectacles les plus populaires étaient fermement ancrés dans un passé rural qui disparaissait rapidement - si, en fait, il avait jamais existé.

En 1960, le "Andy Griffith Show" – avec son petit shérif de la ville, son fils, son adjoint et un casting de personnages ruraux stéréotypés – était la quatrième émission la plus populaire à la télévision. Il est resté dans le top dix chaque année jusqu'à ce qu'il atteigne le numéro un en 1967.

Puis vinrent les "Beverly Hillbillies" en 1962. Le principe était simple. Le fermier Jed Clampett découvre du pétrole sur ses terres sans valeur, emballe sa fille Elly May, son neveu Jethro, Granny, tous leurs biens et des millions de dollars et déménage en Californie dans une scène qui rappelle étrangement les photographies d'Okies de l'époque de la Dépression en mouvement en Californie.

Le spectacle était une bêtise inspirée, produite par Paul Henning, un Midwesterner du Missouri qui a passé 30 ans à Hollywood à exploiter ses racines rurales. Les "Beverly Hillbillies" se sont hissés au premier rang des cotes d'écoute les deux premières années de leur diffusion, et sont restés dans le top quinze pendant la majeure partie du reste de la décennie. Les critiques ont qualifié le spectacle de « parties égales de Steinbeck et d'absurdisme, le nouveau riche hors de l'eau ».

Le producteur Henning a suivi avec "Petticoat Junction" de 1963-70 et "Green Acres" de 1965-71. Les deux émissions se sont avérées presque aussi populaires. Les jupons du premier spectacle appartenaient aux filles blondes, brunes et rousses - Billie Jo, Bobbie Jo et Betty Jo - de Kate Bradley, la propriétaire du Shady Grove Hotel. Les filles donnaient aux écrivains amplement l'occasion de plaisanter sur les filles de fermiers à peine voilées tandis que l'isolement de l'hôtel créait un milieu rural qui n'existait plus en réalité.

"Green Acres" est allé encore plus loin dans la bêtise. Un site Web de fans, "Memorable TV", appelle l'émission, "un assaut catégorique contre la logique cartésienne, la physique newtonienne et le positivisme centriste de Harvard. L'avocat Oliver Wendell Douglas (Eddie Albert) et sa femme mondaine Lisa (Eva Gabor) viennent à Hooterville à la recherche de l'écologisation de l'Amérique et du noble idéalisme jeffersonien. Ce qu'ils découvrent à la place, c'est un univers virtuel parallèle de surréalisme sans entrave, truffé de cochons doués, d'œufs de poule carrés et de petits pains abiogénétiques - un univers que Lisa a immédiatement compris, et par lequel Oliver est constamment déconcerté."

Beulah Gocke (à gauche) était l'un des nombreux résidents ruraux qui ont apprécié la bêtise inspirée de ces spectacles. "Ils se sont moqués de nous", reconnaît-elle, "mais cela fait partie d'une bonne personnalité, si vous pouvez rire de vous-même."

William Luebbe (à droite) souligne que deux de ses fils sont allés à l'université et l'un a un doctorat. Les émissions télévisées « présentaient les agriculteurs comme des [personnes] arriérées, sans instruction. Mais ce n'était pas juste pour les agriculteurs ». William n'a possédé que deux téléviseurs dans sa vie.

Même les critiques de l'époque reconnaissaient la curieuse popularité de ces spectacles ruraux. "Quelques critiques de télévision", rapportait Newsweek en 1969, "affirment que de nombreux Américains nouvellement riches, déconcertés par les années 60 technologiques, se considèrent comme des pervers maladroits perdus dans les banlieues".

"Petticoat Junction" a été annulé en 1970 après que la star de la série, Bea Benaderet jouant Kate, soit décédée d'un cancer. Malgré de bonnes cotes d'écoute, les "Beverly Hillbillies" et "Green Acres" ont été annulés l'année suivante lorsque CBS a décidé qu'il fallait attirer un public plus jeune des baby-boomers. Au lieu de cela, le réseau a commencé à produire des émissions telles que "M*A*S*H", "All in the Family" et "The Mary Tyler Moore Show".

Écrit par Bill Ganzel, le groupe Ganzel. Publié pour la première fois en 2007. Une bibliographie partielle des sources est ici.


Premier logo CBS Color TV, à partir de 1946

Logo ovale original « bloc de texte » de CBS

Logo CBS eye, communément appelé "CBS Eye" ou "Eyemark".

Logo plus ancien de CBS, avec lettrage de police Serif

CBS a dévoilé son logo Eye Device le 17 octobre 1951. Avant cela, des années 1940 à 1951, CBS Television utilisait un projecteur ovale sur les lettres majuscules C-B-S. Le dispositif Eye a été conçu par William Golden sur la base d'un signe hexagonal néerlandais de Pennsylvanie ainsi que d'un dessin Shaker. (Bien que généralement attribué à Golden, il y a des spéculations selon lesquelles au moins une partie du travail de conception sur le symbole pourrait avoir été effectuée par un autre concepteur du personnel de CBS, Georg Olden, l'un des premiers Afro-Américains à atteindre une certaine notoriété dans le domaine de la conception graphique d'après-guerre. L'appareil Eye a fait ses débuts dans la diffusion le 20 octobre 1951. La saison suivante, alors que Golden préparait une nouvelle identité, le président de CBS, Frank Stanton, a insisté pour conserver l'appareil Eye et l'utiliser autant que possible.

Un exemple de l'imagerie de CBS Television Network (et la distinction entre les réseaux de télévision et de radio) peut être vu dans une vidéo du programme Jack Benny (non daté) qui a été diffusée sur le réseau de télévision. La vidéo semble avoir été convertie à partir de kinescope et « non délimitée » ou non modifiée. On voit le programme comme on l'aurait presque vu à la télévision en direct. Don Wilson est l'annonceur du programme, mais exprime également une promo pour "Private Secretary", qui alterne chaque semaine avec Jack Benny sur le programme du réseau de télévision. Benny a continué à apparaître à la radio et à la télévision de CBS à ce moment-là, et Wilson fait une annonce promotionnelle à la fin de l'émission de l'émission de radio de Benny sur le réseau de radio CBS. Le programme se termine par la diapositive d'identification « CBS Television Network » (l'« œil CBS » au-dessus d'un champ de nuages ​​avec les mots « CBS Television Network » superposés sur l'œil). Il n'y a cependant pas de voix off accompagnant la diapositive ID. On ne sait pas s'il était simplement absent de l'enregistrement ou n'a jamais été diffusé à l'origine. Ε]

L'œil de CBS est désormais une icône américaine. Bien que les paramètres du symbole aient changé, l'appareil Eye lui-même n'a pas été repensé dans toute son histoire. Dans la nouvelle identité graphique du réseau créée par Trollback + Company en 2006, l'œil est placé en position « marque » sur les titres des émissions, les jours de la semaine et les mots descriptifs, une approche très respectueuse de la valeur de l'œil. Le logo de l'œil a souvent été copié ou emprunté par les réseaux de télévision du monde entier, des exemples notables étant le système de radiodiffusion autrichien (ORF) qui utilisait une version rouge du logo de l'œil, Associated TeleVision au Royaume-Uni et Frecuencia Latina au Pérou. Le logo est également connu sous le nom de Oeil, qui était également le nom des divisions de syndication nationales et internationales de CBS du milieu à la fin des années 90 avant l'acquisition de King World et la fusion de Viacom.

Années 1980

Au fil des ans, CBS a développé plusieurs campagnes d'image notables, et plusieurs des slogans les plus connus du réseau datent des années 1980. "Reach for the Stars" de 1981 a utilisé une campagne sur le thème de l'espace pour capitaliser à la fois sur l'amélioration remarquable des cotes d'écoute de CBS et sur le lancement historique de la navette spatiale Columbia. Les "Great Moments" de 1982 ont juxtaposé des scènes de la programmation classique de CBS telles que "I Love Lucy" avec des scènes des classiques de l'époque du réseau tels que "Dallas" et "M*A*S*H". De 1983 à 1986, CBS (maintenant fermement au sommet des cotes d'écoute) a présenté une campagne basée sur le slogan "We've Got the Touch". Les voix pour le jingle de la campagne ont été fournies par Richie Havens (1983-1984 et 1984-1985), Aaron Neville (1984-1985) et Kenny Rogers (1985-1986). La saison de programmation 1986-1987 a inauguré la campagne « Share the Spirit of CBS », la première du réseau à utiliser des infographies complètes et des effets DVE. Contrairement à la plupart des promotions de campagne réseau, la version intégrale de Share the Spirit montrait non seulement un bref aperçu de chaque nouvelle série d'automne, mais utilisait également les effets CGI pour cartographier l'ensemble du programme d'automne de nuit. Le succès de cette campagne a conduit à la campagne 1987-1988 « CBSpirit ». La plupart des promos de CBSpirit ont de nouveau utilisé un cortège de clips d'émissions. Cependant, le nouveau motif graphique était une ligne bleue tourbillonnante (ou "swishing"), qui était utilisée pour représenter "l'esprit". La promo complète, comme l'année précédente, comportait une partie spéciale qui identifiait de nouveaux spectacles d'automne, mais le plan de l'horaire d'automne cartographié a été abandonné.

Pour la saison 1988-1989, CBS a dévoilé sa nouvelle campagne d'image, officiellement connue sous le nom de "Television You Can Feel" mais plus communément identifiée comme "You Can Feel It On CBS". L'objectif était de transmettre une image new age plus sensuelle à travers des infographies distinguées et avancées et une musique apaisante, des images d'arrière-plan et des clips de scènes et de personnages émotionnellement puissants. Cependant, c'est cette saison que CBS a commencé sa chute libre d'audience, la plus profonde de l'histoire du réseau. CBS a terminé la décennie avec "Get Ready for CBS". La version 1989-90 était une campagne très ambitieuse qui tentait d'élever CBS de la dernière place (parmi les principaux réseaux) le motif était les stars du réseau interagissant les unes avec les autres dans un studio distant, se préparant pour des séances photo et télévisées, ainsi comme pour la nouvelle saison sur CBS. La chanson promotionnelle à haute énergie et les pratiques de la campagne ont connu de nombreuses variations à travers le pays, car chaque affilié de CBS y a participé, conformément à un mandat du réseau. De plus, pour la première fois dans l'histoire, CBS est devenu le premier réseau de diffusion à s'associer à un détaillant national pour encourager l'audience, avec le CBS/Kmart Get Ready Giveaway.

Années 90

Pour la saison 1990-1991, la campagne comportait un nouveau jingle : The Temptations proposait une version modifiée de leur tube « Get Ready ». Le début des années 90 a présenté des campagnes moins que mémorables, avec des slogans simplifiés tels que "This is CBS" et "You're On CBS". Finalement, le département de la publicité a repris de l'élan à la fin de la décennie avec Bienvenue à la maison pour une soirée CBS (1996-1997), simplifié à Bienvenue à la maison (1997-1999) et succédé par la campagne spin-off L'adresse est CBS (1999–2000).

Années 2000

Tout au long des années 2000, la résurgence des cotes d'écoute de CBS a été soutenue par sa campagne "It's All Here", et leur stratégie a conduit, en 2005, à la proclamation qu'ils étaient "le réseau le plus regardé d'Amérique". Leur campagne la plus récente, qui a débuté en 2006, proclame "We Are CBS".


Les 10 émissions de télévision les plus stupides de tous les temps

Ce soir à 20h, ABC lancera sa nouvelle série Éclaboussure, un spectacle de compétition de plongée « célébrité » dans lequel des figures emblématiques telles que Kendra Wilkinson, Keshia Knight Pulliam et Louie Anderson… eh bien, ils plongent, et c'est à peu près le spectacle. Si vous êtes comme nous, vous avez peut-être accueilli cette description par une question : « Mon Dieu, est-ce que c'est l'idée la plus stupide pour un programme de télévision ? » À quoi nous rions et rions, puis nous disons : « Je ne sais pas, peut-être ». Pour être juste, c'est une compétition difficile depuis sa création, les dirigeants de la télévision ont semblé constamment mis au défi de se surpasser dans la création d'émissions atrocement stupides. Après le saut, nous avons arrondi dix qui donnent Éclaboussure une course pour son argent.

Talents secrets des étoiles (2008)

Méfiez-vous de toute émission de téléréalité/concours avec « stars » ou « célébrité » dans son titre — le simple calcul est que si la carrière de quelqu'un est dans le genre de forme où il fait une émission de téléréalité/de compétition, ce n'est probablement pas grand-chose d'une star ou d'une célébrité plus. Ce fut le cas avec cette série CBS de 2008, mettant en vedette Clint Black montrant ses côtelettes debout, George Takei chantant un air country, Mya danse à claquettes, etc. Le problème, c'est que nous n'étions pas vraiment intéressés à voir ces gens faire ce que ils étaient connu pour plus - qui se soucie si Sheila E. peut jongler? Talents secrets des étoiles diffusé exactement une fois avant que le réseau ne l'annule en raison des faibles cotes d'écoute.

M. Smith (1983)

Voici quelque chose à retenir sur l'Amérique des années 70 et du début des années 80 : nous aimions les singes. Et nous sommes un peuple amoureux des simiens aujourd'hui, mais à l'époque Carter/Reagan ? Saint moly ! Il y avait les films sur les orangs-outans de Clint Eastwood (N'importe quelle manière que vous pouvez et Dans tous les sens mais lâche), il y avait l'arnaque des films d'Eastwood par Tony Danza (aller singe), et puis il y a eu les émissions de télévision, dont les trois saisons (!) B.J. et l'ours et Moi et le chimpanzé. Mais aucun d'eux n'était aussi stupide que M. Smith (aucun rapport avec l'album LL Cool J). Cette sitcom NBC de 13 épisodes centrée sur Cha Cha l'orang-outan, qui s'échappe de son acte de voyage et se retrouve dans un laboratoire de recherche, où il boit un sérum d'intelligence, développe une voix parlante et 256 QI, et (attendez-le) devient un conseiller politique. M. Smith était l'une des neuf nouvelles émissions de la programmation d'automne 1983 de NBC qui est devenue notoire pour ne pas avoir produit un seul succès, mais le soulagement était au coin de la rue M. Smithle showrunner de Ed. Weinberger reviendrait l'automne suivant avec la série qui sauverait NBC, Le spectacle Cosby.

Automan (1983-1984)

De son titre, Automan sonne comme une arnaque de Chevalier cavalier, qui a fait ses débuts l'année précédente sur NBC. Mais c'était un faux, c'était en fait une arnaque de Tron, qui est sorti en salles à l'été 1982. Ce film nous a plongé dans le monde des ordinateurs, des programmeurs, des jeux vidéo et de toutes sortes d'autres trucs sympas qui ressemblaient à le futur se passait maintenant. Ce qui nous amène à Automan (abréviation de « Automatic Man »), l'histoire d'un programmeur informatique (interprété par Desi Arnaz Jr.) qui développe un programme informatique de lutte contre le crime d'IA tellement génial qu'il peut en fait quitter le programme et devenir une vraie personne ( Chuck Wagner), bien qu'avec un étrange costume bleu brillant qui ne rappelait pas du tout Tron. Automan n'a duré que 12 épisodes sur ABC, bien que son principe de base ait apparemment été recyclé pour le film Denzel Washington-Russell Crowe Virtuosité 11 ans plus tard (dans une autre période de science-fiction malavisée et lourde d'ordinateurs).

La nonne volante (1967-1970)

Le discours d'Oscar « tu m'aimes, tu m'aimes vraiment, vraiment » de Sally Field est l'un des plus fréquemment cités (et fréquemment parodiés) dans l'histoire de cette cérémonie – à tel point qu'il est facile d'oublier ce qu'il signifiait. Ce n'était pas facile pour Field d'être prise au sérieux en tant qu'actrice, elle avait plein de projets moins que prestigieux derrière elle, de la Smokey et le bandit des films à Au-delà de l'aventure Poséidon à sa grande pause en tant que télé Gidget. Mais toutes ces œuvres pâlissent en comparaison de La nonne volante, la sitcom ABC de trois saisons dans laquelle Field jouait Elsie Etherington, une religieuse avec, oui, le pouvoir de voler. Non, le titre n'était pas une sorte de métaphore religieuse - c'était vraiment une série télévisée sur une religieuse qui pouvait voler, ce qui l'a fait, selon le livre précieux de David Hofstede À quoi pensaient-ils : les 100 événements les plus stupides de l'histoire de la télévision, "le concept le plus stupide jamais conçu pour une série télévisée".

Trou dans le mur (2008-2012)

Là encore, ce livre a été écrit quatre ans avant le début de Trou dans le mur, que Fox a adapté d'un jeu télévisé japonais appelé Nōkabe, et encore une fois, tout le concept stupide est là dans tout le titre stupide : le but du jeu est que les concurrents se contorsionnent afin de passer à travers des trous de la taille d'une personne dans un mur (vous savez, le genre de dessin animé les personnages partent lorsqu'ils sortent précipitamment). C'est-à-dire, sans blague, à peu près le jeu et le spectacle, bien qu'il existe des variantes comme "Double Wall", "Speed ​​Wall" et "Blind Wall". Croyez-le ou non, les Américains ne se sont pas précipités vers leur télévision pour voir les gens se faufiler à travers les trous dans les murs, et Fox a annulé l'émission après moins d'une saison. Mais Cartoon Network savait qu'il ne fallait pas laisser mourir une chose stupide - ils ont repris l'émission et l'ont diffusée pendant quatre saisons supplémentaires.

Homeboys de l'espace extra-atmosphérique (1996-1997)

La comédie de science-fiction de l'UPN était si stupide, si sobre et si inepte (même selon les normes de l'UPN !) saison. C'était aussi stupide que cela en a l'air : il s'agissait d'une paire d'astronautes loufoques du 23e siècle qui ont traversé l'univers dans leur « Space Hoopty » ailé (non, sérieusement), ayant des aventures loufoques avec des stars comme Gary Coleman, Casey Kasem, et (bien sûr) George Takei. Tu vois, parce que ce sont des potes ! Dans l'espace!

Ma mère la voiture (1965-1966)

Vous devez leur donner ceci : quand ils ont une idée vraiment insensée pour une émission de télévision, ils ont au moins la courtoisie de donner un titre qu'ils pensent être assez simple pour les crétins qu'ils ciblent. Dans ce cas, c'est l'histoire d'un avocat (Jerry Van Dyke) qui achète une vieille bagnole, seulement pour découvrir que sa mère décédée (exprimée par Ann Sothern) peut communiquer avec lui via l'autoradio. (Nous n'inventons pas cela!) Le conflit est fourni par un collectionneur d'automobiles crapuleux qui veut acquérir la mère / la voiture – et par les téléspectateurs, qui ont fui cette sitcom stupide après une seule saison.

Samedi soir en direct avec Howard Cosell (1975-1976)

Si vous vous êtes déjà demandé pourquoi les rediffusions de Saturday Night Live (et l'annonce d'ouverture, à ce jour) il suffit de l'appeler Samedi soir, voici pourquoi : à l'automne 1975, quand SNL a fait ses débuts sur NBC, une autre émission sur un réseau rival avait déjà des dibs sur ce surnom. Il s'agissait d'une nouvelle série de variétés aux heures de grande écoute animée par Howard Cosell, le présentateur sportif de l'amour-lui-ou-haine-lui qui a tué le Football du lundi soir et a cloué ses interviews avec Muhammad Ali – mais ni ses compétences en matière de jeu par jeu ni de profilage ne feraient penser à quelqu'un de sensé qu'il était le bon gars pour faire les sketchs et la musique. Sans surprise, l'émission a été conçue par le cerveau d'ABC Sports Roone Arledge et Cosell lui-même, aucun d'eux ne semblait conscient des limites du diffuseur en tant qu'artiste. Il ne leur a pas fallu longtemps pour comprendre qu'ABC avait mis l'émission en boîte après cinq mois, et Lorne Michaels a pu retitrer son émission peu de temps après.

Trois est une foule (1979-1980)

Avec sa sensibilité à fond et son large goût pour le double sens, Chuck Barris était à bien des égards le père de la télé-réalité moderne, bien qu'il travaillait principalement dans le genre des jeux télévisés, il se plaisait à diffuser du linge sale et à montrer aux gens ordinaires ce qu'ils ont de pire. Mais même Barris a dû parfois reculer, ce qui s'est passé avec ce jeu télévisé syndiqué qui posait la question : « Qui connaît mieux un homme, sa femme ou sa secrétaire ? » Ledit homme répondrait à trois questions (du genre « Quelle est la principale raison pour laquelle votre secrétaire devient sans soutien-gorge ? »), suivi de sa secrétaire, suivi de sa femme. , tandis que les grands thèmes de la série, la misogynie et l'adultère, faisaient de tout le monde un perdant. Les protestations ont été rapides et intenses (même le propre secrétaire de Barris lui a dit que les questions « créent des réactions absolument virulentes entre les épouses et les secrétaires »), et la réaction a conduit à l'annulation non seulement de Trois mais aussi trois autres de ses émissions. Mais Barris était simplement en avance sur son temps - ce genre de chose était un fourrage quotidien pour des gens comme Jerry Springer, et bien sûr, Trois est une foule a été ramené pour une renaissance sur le Game Show Network en 2000.

Le plus petit marié (2004)

Une émission doit vraiment sombrer dans le cloaque pour que même les téléspectateurs et les dirigeants d'émissions de téléréalité disent "assez", mais c'est ce qui s'est passé avec Fox's Le plus petit marié, qui a disparu après deux épisodes. Le terrain : un Bachelier une arnaque où la torsion était (préparez-vous!) Que le célibataire et ses prétendus véritables amours étaient tous de petites personnes. Dans l'épisode deux, cependant, ils ont secoué le format et ont lancé une douzaine de candidats de taille «moyenne» – ce qui en fait une émission qui avait non seulement une prémisse offensante et stupide, mais qui était si stupide qu'elle ne pouvait même pas s'y tenir .

Ce sont nos choix pour les émissions de télévision les plus stupides – quelles sont les vôtres ? Faites le nous savoir dans les commentaires.


Cette sitcom parlait de la famille dysfonctionnelle Bundy qui vivait dans une banlieue fictive de Chicago. Il a suivi la vie d'Al Bundy, un vendeur de chaussures pour femmes qui aspirait à revivre ses jours de gloire en tant que joueur de football au lycée. Il avait une femme odieuse, une fille aux mœurs légères et un fils badin. L'émission est incluse dans la liste des 100 meilleures émissions de tous les temps de Time Magazine.

Ils étaient voisins d'Archie Bunker dans l'émission "All in the Family". Ils ont reçu une émission dérivée en 1975 intitulée "The Jeffersons" qui mettait en vedette un riche couple afro-américain qui vivait à New York. Après 11 ans, cependant, la série a été soudainement annulée sans que les personnages aient la possibilité de clore correctement la série.

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